Descubre a JMW Turner a través de 8 pinturas

Joseph Mallord William Turner, también conocido como el pintor de la luz, es posiblemente el pintor romántico favorito de Inglaterra. Nacido en 1775 en el seno de una modesta familia londinense, comenzó su carrera vendiendo dibujos y acuarelas a los doce años. Sus primeros trabajos demostraron un talento innegable. A veces excéntrica, la vida de JMW Turner estuvo marcada por una total devoción a su trabajo. Era un viajero insaciable, deambulaba por Europa y documentaba los paisajes que encontraba con sus acuarelas. Fue ante todo un paisajista. Su obra, esencialmente romántica, evolucionó posteriormente hacia una nueva y atrevida representación pictórica, abriendo camino al Impresionismo y la Abstracción. Eche un vistazo a 8 fascinantes obras de arte pintadas por JMW Turner.

En 2013, el Museo Marítimo Nacional de Greenwich, Inglaterra, acogió una exposición llamada Turner and the Sea. Un acontecimiento interesante, sabiendo que el arte marítimo representa alrededor de dos tercios de la obra de Turner. El mar era el tema favorito de Turner. La exposición de 2013 presentó una pintura exitosa, un gran lienzo que impresionó por primera vez a los visitantes que llegaron a la Royal Academy en 1797. Se llama Pescadores en el mar. Este es el primer óleo que Turner expuso en la Royal Academy cuando tenía 24 años. Esta pintura continúa la tradición de los paisajes iluminados por la luna que se hicieron populares en el siglo XVIII entre artistas como Joseph Vernet, Loutherbourg y Abraham Pether.

Pescadores en el mar es un cuadro que puede considerarse realista por la forma en que Turner logra captar la luz de la luna, su reflejo en el mar, así como las olas realistas. Aunque por la atmósfera que desprende, este cuadro es esencialmente romántico. Como espectador, la sensación del poder abrumador de la naturaleza que se expresa a través de la imponente presencia de la luna y el mar es humillante. Esto hace eco del concepto de lo Sublime y lo Infinito, acuñado por Edmund Burke y tan querido por los románticos. Al resaltar la naturaleza, en lugar de los sujetos u objetos humanos, se revela la impotencia de la humanidad frente a la naturaleza. A diferencia de la luz dominante de la luna, la linterna de los pescadores emite una luz débil y parpadeante, como para subrayar la insignificancia del hombre frente a la naturaleza.

Antes de viajar por Europa, Turner exploró su país natal y produjo numerosas acuarelas de paisajes ingleses. En Fishermen at Sea, el artista representa a los pescadores en sus barcos frente a la Isla de Wight. A la izquierda, en el fondo de la pintura, representaba Las Agujas, una formación rocosa icónica frente a la costa de la isla. De una de sus giras por la Isla de Wight en 1795, Turner produjo todo un cuaderno de acuarelas. Este interés artístico en este lugar refleja, según el historiador de arte John Gage, una influencia pintoresca. Siguiendo la tradición del Grand Tour y de pintores como Loutherbourg o Gainsborough, Turner viajó y documentó los paisajes que le impresionaban.

Este autorretrato, que ahora aparece en billetes de £20, fue realizado por Turner en 1799. Fue pintado el mismo año en que fue elegido miembro de la Royal Academy, por lo que es posible que el artista lo haya pintado para marcar este importante momento. en su carrera.

Se representa con toda sencillez, sobre un fondo neutro, inmóvil y con la mirada fija al frente. Sus mejillas son coloridas, su piel suave y tersa: ya no es un niño pero no ha perdido su aspecto juvenil. Aparte de sus ojos penetrantes, sus rasgos son imprecisos y un poco borrosos. Su nariz está pintada de forma especialmente borrosa, casi camuflada. Otro retrato de Turner a la edad de 17 años, dibujado por el también artista George Dance, muestra su nariz de lado y mucho más ancha que en este autorretrato.

Hay sombras, oscuridad y misterio a su alrededor. Su cabello rubio claro, piel pálida y ropa blanca contrastan con el fondo oscuro y sencillo. Eligió destacarse, obligando a centrar toda nuestra atención en él. Emulando los autorretratos de Rembrandt, Turner se pintó rígido, sin artificios, sin siquiera un accesorio como un pincel o una paleta que nos recordara que es un artista. Como en muchas de sus obras posteriores, invita al espectador a interpretar la obra. Nos obliga a imaginar, a proyectarnos siempre más allá y a pensar con nuestras emociones para comprender su arte.

Sus numerosas giras por Italia, junto con sus viajes a Francia, Suiza y Alemania, revivieron la admiración de Turner por los antiguos maestros del paisaje histórico como Claude Lorrain y Nicolas Poussin. Turner comenzó a pintar una serie de paisajes exóticos y extranjeros, inspirados en sus viajes y las acuarelas que trajo a casa. Dido construyendo Cartago, o El ascenso del Imperio cartaginés, pintado en 1815, muestra inequívocamente la formación y las influencias clásicas de Turner, especialmente su admiración por Claude. Inicialmente, incluso pidió que se colgara el edificio Dido en Cartago junto al cuadro de Claude de 1648, Puerto marítimo con el embarque de la reina de Saba. El paralelo entre estas dos pinturas es inconfundible.

Al igual que el cuadro de Claude, Dido Building Carthage combina paisaje e historia, aunque sea ficticio. Tomado directamente de la Eneida de Virgilio, el tema de esta pintura es la fundación de Cartago por la legendaria reina Dido. Está representada en azul y blanco, en la parte inferior izquierda del cuadro. Más de la mitad superior de la pintura está dominada por un amanecer intenso, amarillo brillante, como si simbolizara el amanecer de una nueva era. A la derecha de la pintura, la tumba del difunto marido de Dido, Siqueo, se alza como símbolo fúnebre y premonitorio del funesto destino de Cartago.

El lugar del hombre en la naturaleza es una preocupación constante del paisaje romántico. En la obra del maestro del paisaje romántico alemán Casper David Friedrich, los personajes suelen estar representados en plena contemplación frente a un paisaje grandioso. En cuanto a Turner, utilizó sujetos humanos para justificar la representación del paisaje. Inicialmente un gran admirador de los paisajes históricos de los maestros clásicos, Turner finalmente creó su propio estilo, disolviendo los detalles del tema en atmósferas coloridas.

En Tormenta de nieve: Hannibal y su ejército cruzando los Alpes, Turner aborda un tema histórico mostrando la marcha del general cartaginés Hannibal hacia Roma. Según el relato histórico de Livio sobre la Segunda Guerra Púnica, Aníbal realizó un viaje de 15 días desde la actual Túnez hasta Italia. Cruzar los Alpes, con su ejército y sus elefantes, fue el obstáculo más difícil del viaje, por lo que se volvió legendario. A pesar de vencer la hostilidad de la montaña, Aníbal sería derrotado más tarde. Este fracaso lo sugiere la atmósfera de este cuadro.

El inmenso arco de la tormenta se curva como una ola alrededor de las montañas a la derecha del cuadro y parece que está a punto de engullir al ejército de Aníbal, que sólo ocupa la quinta parte inferior del lienzo. La atmósfera es inquietante, principalmente por la oscuridad que domina la mayor parte del cuadro. El sol queda oculto por la tormenta de nieve, en la que Turner quiso insistir. Los hombres están indefensos ante la tormenta y están de espaldas al público. Hannibal no está en el centro de atención, sino los soldados que luchan. Esta no es una pintura destinada a exaltar el poder de la figura histórica de Aníbal, sino que pretende mostrar la impotencia del hombre ante la naturaleza.

El barco de esclavos, originalmente llamado Esclavistas que arrojan por la borda a los muertos y moribundos; el Tifón que se acerca muestra un barco al fondo, navegando a través de un mar turbulento. A su paso, cuerpos humanos flotan en las olas, su piel negra y sus cadenas indican que son esclavos. Según se informa, Turner se inspiró en La historia y la abolición de la trata de esclavos de Thomas Clarkson. En 1781, el capitán del barco de esclavos Zong ordenó que se arrojara por la borda a 133 esclavos para poder cobrar los pagos del seguro. Cuando El barco de esclavos se exhibió por primera vez en la Royal Academy en 1840, Turner yuxtapuso su pintura con uno de sus propios poemas:

A primera vista, la intensidad rojo sangre de la enorme puesta de sol que ocupa la mayor parte del cuadro es lo que llama la atención del espectador. Los mástiles del barco también están pintados de un tono rojizo y este mismo color se utiliza en el sol poniente reflejándose en el agua. La escena recuerda a un brasero gigantesco, no muy diferente de los dos lienzos que Turner pintó en 1835, ambos titulados La quema de las Cámaras de los Lores y de los Comunes, el 16 de octubre de 1834.

Al optar por centrarse en los colores, Turner desdibujó los contornos de los diferentes elementos de su pintura. Las líneas confusas y tenues se convertirían en una característica importante en sus obras posteriores, haciendo que los objetos, los colores y los temas sean confusos. Este énfasis en los colores, especialmente el rojo en El barco de esclavos, es típicamente romántico. La atención se centra, una vez más, en la naturaleza y su grandeza.

Apreciado por sus contemporáneos y presentado regularmente en las exposiciones de la Royal Academy, Turner comenzó a llevar su arte en una dirección diferente en sus últimos años, pero también comenzó a recibir críticas cada vez más negativas. William Makepeace Thackeray escribió sobre El barco de esclavos: ¿Es la pintura sublime o ridícula? De hecho, no sé cuál.

Sin embargo, el famoso crítico de arte John Ruskin, que recibió este cuadro como regalo de su padre en 1844, escribió un texto publicado en su Modern Painters para expresar su admiración por la pintura de Turner. Su análisis permitió al público comprender y apreciar mejor las últimas obras del pintor. Para Ruskin, esta pintura sublime expresaba una tortura interior. Lo vinculó con una dimensión santa y divina y especuló que el mar era una representación de Dios. El ardiente atardecer sería entonces entendido como el fuego de Dios, el castigo divino. La pieza era un símbolo de la impotencia del hombre ante dos fuerzas principales de este mundo: la naturaleza y Dios.

Turner no solo practicó la pintura, también ideó teorías sobre su propio arte y dio lecciones en 1811. Enseñó perspectiva y técnicas pictóricas, pero también habló sobre la importancia de la pintura de paisajes y el vínculo romántico entre la naturaleza y la pasión. También quería que se enseñara el arte del paisaje en la Real Academia.

El pintor realizó su primer viaje fuera de Gran Bretaña en 1802, cuando tenía 27 años, cuando visitó Suiza y Francia. Después de las guerras napoleónicas, comenzó a viajar nuevamente en 1817 visitando los Países Bajos, Alemania, Dinamarca y, lo más importante, Italia. Su primera gira por Italia ocurrió en 1819. El viaje dejó una huella importante en su carrera. Turner regresaría a Italia en numerosas ocasiones.

La acuarela Los tejados de Venecia al amanecer fue realizada durante su última visita a Venecia en 1840. La serie de acuarelas líquidas pintadas durante este viaje exuda una atmósfera etérea, casi espiritual. Las líneas son borrosas, las formas confusas, como para sugerir tan sutilmente como sea posible los temas que Turner intenta pintar. La única mancha de color que llama inmediatamente la atención es el rojo brillante del sol naciente que se disuelve en el cielo. Como suele ocurrir con Turner, el brillo incandescente de un sol naciente o poniente recuerda a un fuego ardiente.

Las acuarelas creadas durante sus viajes se publicaron en 1826 en el anual literario The Keepsake y en colecciones de grabados en 1831 llamadas The Turner's Annual Tour. Esto lo hizo famoso ante los ojos de la sociedad inglesa. La progresiva evolución de su pintura al óleo, sorprendentemente moderna para su época, fue por otra parte mal recibida e incomprendida por sus contemporáneos.

En 1966, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó una exposición titulada Turner: Imagination and Reality. Lawrence Gowing, comisario de la exposición, quiso llamarla Cuadros de la nada, utilizando la expresión peyorativa acuñada por el crítico del siglo XIX William Hazlitt y utilizada para describir las pinturas de Turner. De hecho, esta exposición de 1966 puso énfasis en las obras realizadas durante las dos últimas décadas de la vida de Turner. En otras palabras, las pinturas que lo convierten, según algunos, en el pionero de una estética moderna que con el tiempo daría origen no sólo al impresionismo sino también al arte abstracto.

Light and Color es un vórtice amarillo de luz y color literalmente puros. Es difícil distinguir algo al mirarlo. Turner se inspiró en la Teoría de los colores de Johann Wolfgang von Goethe, que afirma que los colores son vistos como un fenómeno emocional y que cada uno es una combinación única y hábil de luz y oscuridad. Hacia el final de su carrera, Turner fue acusado de producir pinturas sobrecargadas y llamativas. Los críticos incluso bromearon diciendo que Turner contrajo fiebre amarilla, burlándose de su elección de colores.

El tema de la obra está inspirado en la Biblia y representa el día después del Gran Diluvio. Una figura humana borrosa se encuentra a través del vórtice de color que representa a Moisés, acompañado por una serpiente, la serpiente de bronce que levantó para curar la plaga. Esta pintura ya no es un paisaje representado de manera realista, pero el mensaje sigue siendo el mismo; El hombre es impotente contra las fuerzas de la naturaleza y contra Dios, ambas simbolizadas por el Diluvio destructivo.

La forma circular de esta pintura también podría simbolizar el ojo humano. Por su color, también se parece a un sol incandescente, que recuerda nuevamente al fuego punitivo de Dios. Al mirar Luz y Color, es imposible no pensar en las últimas palabras de Turner: El sol es Dios.

Rain, Steam and Speed ​​es una de las pinturas más vanguardistas de Turner. Representa un tren que cruza a toda velocidad un puente. A la izquierda del lienzo se ve un puente que permitió identificar la trayectoria de la locomotora: camino de Bristol desde Londres. El paisaje está inmerso en una típica niebla británica. El cielo, la tierra y el río se mezclan hasta convertirse en uno solo, y la línea del horizonte apenas se dibuja. En medio de este caos pictórico, destaca claramente la locomotora, dibujada con detalle.

Esta pintura ilustra la idea impresionista de que no es necesario reproducir la realidad exactamente tal como es. Basta con sugerir los objetos, creando sentimientos en el espectador. Aquí, la sensación que Turner quería captar es la de velocidad. Todo está borroso alrededor del tren, acentuando la idea de velocidad.

Oda al progreso, temprana ilustración de la Revolución Industrial que agitó Inglaterra, este cuadro está muy alejado de los paisajes de inspiración clásica e histórica a los que Turner estaba acostumbrado. Muestra su fascinación por la modernidad y los viajes. Su tacto nervioso y el empaste sobre el lienzo son signos premonitorios del Impresionismo y la Abstracción. Al defender una concepción más amplia del arte del paisaje basada en la mezcla de géneros, Turner creó la base misma del romanticismo pictórico, el fin de la jerarquía de géneros.